Alors que les théâtres ont travaillé d’arrache-pied pendant des semaines dans la perspective de leur réouverture mi-décembre, qu’ils ont réinventé leurs saisons, leurs horaires et leurs modalités d’accueil tandis que les artistes reprenaient intensément les répétitions, animés par l’espoir de retrouver le public, cinq jours seulement avant la date de réouverture annoncée, le Premier ministre annonçait qu’elle n’aurait pas lieu, démontrant, une fois de plus, un violent mépris à l’égard des artistes et les structures culturelles, jugées inessentielles – moins essentielles en tout cas que les magasins de vêtements, de sport, de décoration, de jouets ou de farces et attrape. Cette décision soumet à nouveau à l’épreuve de la patience ceux pour qui la culture n’est pas un bonus dans le quotidien, mais le métier, la raison de vivre, la passion, mais elle fournit surtout de nouveaux motifs de colère, sentiment qui s’ajoute à l’épuisement, la lassitude et la perte de sens, maîtres de nos quotidiens depuis plusieurs mois.
Dans le désert culturel annoncé jusqu’en janvier, le T2G a néanmoins trouvé le moyen de créer un espace de résistance, qui prend des allures d’oasis. Le Centre dramatique national de Gennevilliers a décidé de maintenir quelques dates des représentations de mauvaise, spectacle qui aurait dû être créé en novembre à la MC93 et qui a été reporté mi-décembre au T2G. Après les annonces du 10 décembre, ces représentations auraient encore dû être annulées, renvoyées à un avenir incertain alors que se pressent et se chevauchent dans les mois à venir près d’un an de théâtre depuis mars dernier. Trois représentations, uniquement ouvertes aux programmateurs et journalistes, ont cependant permis que le texte de debbie tucker green, figure éminente de l’avant-garde théâtrale britannique, soit pour la première fois créé en France et qu’il trouve ainsi une forme certes diminuée d’existence auprès des professionnels du secteur, à défaut du public, mais d’existence tout de même. Pour que la nouvelle contrainte du couvre-feu soit respectée, le spectacle a donc été présenté pour trois dates à 17h30, devant une poignée de spectateurs. L’ambiance est complice, feutrée entre les visages masqués qui pour la plupart se connaissent ou se reconnaissent, mais ceux qui ont le privilège de retourner une dernière fois en salle avant de clore l’annus horribilis 2020 sont loin de fanfaronner.
L’exception s’institue progressivement en nouvelle norme. Les théâtres sont fermés depuis plusieurs mois maintenant, mais les artistes continuent d’y travailler. Pour faire vivre ces spectacles et leur donner la possibilité de rencontrer un jour le public, des représentations sont organisées pour les professionnels, programmateurs et critiques. Quelques dates ont ainsi permis de découvrir la dernière création du Théâtre Déplié, compagnie d’Adrien Béal : Toute la vérité. Le titre n’est pas vraiment une référence au serment traditionnellement prêté au cours d’un procès. La vérité dont il est question dans ce spectacle n’est pas faite de discours, mais du langage des corps, qui en disent bien plus long que les mots balbutiants. Une création sensible, à fleur de peau, qui rééduque les sens.
Alors que des camions de CRS encombrent les rues qui partent de la place de la République en raison d’une manifestation contre la Loi Sécurité globale, et qu’il faut pour cette raison faire de nombreux détours pour atteindre la Halle du Carreau du Temple, une fois à l’intérieur, le réel s’évanouit. Dans ce grand espace baigné de lumière grâce à ses verrières, on oublie, pendant un peu plus d’une heure, les masques, la distanciation, sociale, et toutes les règles et réflexes qu’a imposé le Covid. Yves-Noël Genod, « distributeur de spectacles » comme il se désigne, a créé un lieu de liberté, de retrouvailles et de voyages – un lieu de cure, pour consoler les confinés.
Rituel 4 : Le Grand Débat, spectacle créé l’an dernier à la Cité internationale, était programmé ces jours-ci au T2G dans le cadre du Festival d’Automne. Malgré l’interdiction des théâtres d’ouvrir au public, les répétitions se sont déroulées comme prévu ces dernières semaines. Pour clore ce temps de répétition et faire vivre un peu le spectacle, dans la perspective de la tournée française qui l’attend, une générale a été organisée pour les programmateurs et critiques. A ce public d’avertis, il n’est pas donné de ticket au moment de son arrivée au théâtre. L’information de cette représentation, à 17h un jour de semaine, vaut comme sésame. Deux heures avant les annonces du Premier Ministre devant faire état de l’évolution de la situation sanitaire actuelle – prise de parole qui a pris la forme d’un rituel depuis un an – les spectateurs sont confrontés à un autre rituel caractéristique de notre vie citoyenne : celui du débat présidentiel d’entre-deux tours. La metteure en scène Emilie Rousset et la cinéaste Louise Hémon invitent en effet à porter un regard distancé sur cette pratique instaurée en 1974. Tout en suscitant le rire du public, elles révèlent la vanité de cette cérémonie, et amènent à l’envisager comme un symptôme de la crise dont souffre la démocratie à notre époque, alors que la veille, était improvisée au Capitole de Washington une fête déguisée avec de vraies armes à feu…
Si les théâtres sont fermés depuis deux mois, les artistes ont encore le droit de proposer des spectacles dans les milieux scolaires. Cette aberration renforce la légende selon laquelle le virus n'y circulerait pas – mais de la maternelle au lycée seulement ; les universités, elles, sont fermées depuis de longues semaines. (Il y a quelques jours encore, notre gouvernement affirmait avec aplomb que le corps enseignant ne faisait pas partie des professions les plus exposées au covid – ce qui s’explique par le fait que les élèves d’une même classe et leurs professeurs ne sont pas déclarés cas contact si l’un d’eux contracte la maladie…). Dans ce contexte moribond, la découverte de Jukebox 'Gennevilliers' au Lycée Galilée de Gennevilliers a pris l’apparence d’un rayon de soleil – et de fait, le soleil perçait à travers les nuages noirs et s’invitait dans le hall de l’internat tout en baies vitrées, le temps d’une des représentations prévues.
Après les captations de spectacle diffusées en différé, les captations live (telles qu’en proposent en ce moment la Comédie-Française ou le Théâtre de la Ville, entre autres), les lectures live, les podcasts alternatifs… Marion Siéfert, artiste associée au Théâtre de la Commune d’Aubervilliers, nous invite à découvrir un nouvel avatar de spectacle vivant avec _jeanne_dark_, performance diffusée en live sur Instagram. Ce format n’est pas la simple conséquence du confinement, son projet était d’emblée conçu à partir de ce réseau social : lors de sa tournée française tout au long de l’automne, le spectacle était supposé être retransmis en live sur Instagram en même temps qu’il était présenté en salle. Contrairement à d’autres spectacles condamnés à des reports, voire à des annulations, le deuxième confinement mis en place depuis quelques semaines n’a pas complètement anéanti les possibilités de représentation de ce spectacle. Il les a peut-être même démultipliées : le 19 novembre, nous étions près de 600 à suivre le direct du compte Instagram de @_jeanne_dark_. Outre la médiation d’un écran, qui chaque fois affaiblit le rapport du spectateur à l’œuvre, la particularité de ce mode de diffusion via un réseau social est qu’il permet de reformer une espèce de communauté autour du spectacle. A côté de l’image de l’actrice défilent à toute allure les commentaires instantanés des spectateurs, qui profitent de l’espace que leur accorde l’application pour se libérer de la contrainte du silence qu’impose la présence en salle. A côté du spectacle que propose @_jeanne_dark_, s’improvise chaque soir celui des spectateurs qui réagissent à ce qu’elle raconte et ce qu’elle fait, et ce spectacle-là est presque aussi fascinant que le premier.
Christophe Honoré est un amant de la littérature. Au cinéma comme au théâtre, il la côtoie de près. En témoignent ses Métamorphoses d’après Ovide à l’écran, ou Nouveau Roman et Les Idoles sur scène, qui faisaient revivre des auteurs à travers leurs œuvres. Pour sa dernière création au théâtre, il se mesure à un nouveau défi avec la troupe de la Comédie-Française : un spectacle inspiré du Côté de Guermantes de Proust. Il s’agit du troisième tome d’A la Recherche du temps perdu, l'un des romans les plus longs du jamais écrit. Honoré ne garde certes qu’un morceau de cette immense fresque qui résiste au théâtre rien que par sa longueur, mais il en choisit le volume le plus gros et peut-être le moins adaptable : celui qui raconte l’entrée du narrateur dans le monde, et sa découverte de l’aristocratie. Deux impressions se dégagent du spectacle, en grande partie inspirées du roman : anachronisme et déception.
Il y a un an, Jérôme Bel annonçait qu’il ne prendrait plus l’avion, et ne ferait plus tourner ses spectacles à l’étranger (alors qu’il y a quelques années à peine, il venait jusqu’à Cuba avec Shirtologie). Ce qu’il consent à faire en revanche, c’est recréer ses spectacles avec des artistes étrangers, grâce à des répétitions via Skype. Pour que le spectacle vivant ne se résume pas à des captations (menace qui pèse en temps de covid), pour continuer à faire l’expérience de la présence, la nécessité s’impose plus que jamais d’aller voir ses œuvres, d’aller jusqu’à la MC93 pour découvrir sa dernière création, Danses pour une actrice (Valérie Dréville), présentée dans le cadre du Festival d’Automne. Pour la version française de ce spectacle, il fait appel à une actrice-monument, qui a marqué les œuvres de Vitez, Régy, Vassiliev, et plus récemment d’Ostermeier, Lupa ou Creuzevault. Une actrice qui porte en sa chair tout un pan de la mémoire théâtrale depuis les années 1980 jusqu’à nos jours, que Jérôme Bel confronte à une autre mémoire, celle de la danse. Ensemble, ils créent un objet hybride, qui s’offre exceptionnellement le luxe d’une double réception.
Après l’Allemand Frank Castorf, qui a adapté presque toutes les œuvres de Dostoïevski depuis 1999, c’est au tour de Sylvain Creuzevault de revenir avec obsession à cet auteur. En 2018, il se lançait avec Les Démons. En 2019, il adaptait pour quelques représentations seulement avec les étudiants du Théâtre National de Bordeaux L’Adolescent. Cette saison, il présente deux spectacles à l’Odéon : Le Grand Inquisiteur et Les Frères Karamazov. Tous deux sont étroitement liés : la Légende du Grand Inquisiteur est un des chapitres les plus célèbres des Frères Karamazov, une œuvre dans l’œuvre, un « poème » comme le présente Ivan Karamazov, qui court sur une vingtaine de pages. Ce morceau a déjà été isolés par d’autres metteurs en scène avant Creuzevault – par Peter Brook et Patrice Chéreau notamment –, mais le but n’est pas ici d’en donner une simple lecture théâtralisée. Le spectacle de plus d’une heure et demie prend la forme d’un dialogue avec ce texte, d’une mise en perspective historique et politique qui entend souligner la pertinence de la pensée de Dostoïevski.
Depuis plusieurs années, l’artiste suisse Milo Rau est accueilli en France avec ses spectacles, qui toujours explorent les relations entre le réel et le théâtre à partir de la question de la représentation de la violence sur scène. Après Five Easy Pieces, sur les crimes de Marc Dutroux, La Reprise, sur le meurtre d’un homosexuel à Liège en 2012, Rau s’empare d’un nouveau fait divers dans Familie : le suicide des quatre membres d’une famille en 2007, près de Calais. Les deux précédentes œuvres de ce triptyque démontraient comment le théâtre pouvait permettre d’apprivoiser l’horreur, par le jeu. Dans celle-ci, la démarche est inverse. Le fait d’amener une vraie famille sur scène évacue presque totalement le jeu, au point de faire naître un malaise extrême.
